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APRENDAMOS A CONTROLAR NUESTRA CÁMARA
LA LUZ
SIN LUZ NO HAY FOTOGRAFÍA
Si buscamos que es la fotografía, encontraremos esto - La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debido a la acción de la luz. Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas.
La luz, sin luz no hay foto. Eso lo vamos a tener , muy en cuenta.
Yo disfruto buscando esos rayitos de sol casi imperceptibles, a veces tímidos que se cuelan por una ventana, entre las ramas de los árboles. Esos rayos de primera hora del día, dulces, lentos.
O esa luz de atardecer, dorada, con magia.
¿Qué es la exposición?
La exposición fija la cantidad de luz que precisa el sensor de nuestra cámara (en fotografía digital) o el material fotosensible (en la fotografía analógica) para crear una imagen perfecta.
Cómo la luz cambia a cada momento, la exposición de nuestra cámara también debe cambiar.
Peroooo....no iba a ser todo tan fácil. Para que nuestra foto salga bien necesitamos controlar tres parámetros.
la apertura
la velocidad
el ISO
El ISO lo dejaremos para un poquito más adelante, ahora vamos a la apertura (diafragma) y a la velocidad (obturador)
Apertura del diafragma
El diafragma es un dispositivo que forma parte del objetivo. Este dispositivo consta de unas palas que se abren y se cierran, dejando un orificio central que permite pasar más o menos luz hacia el sensor de nuestra cámara. Funciona de manera similar a como lo hace el iris de nuestro ojo. Se podría decir que el diafragma "es el iris de nuestra cámara".
Es importante que tengas claro que el diafragma está dentro de nuestro objetivo, no del cuerpo de la cámara. Por eso dependiendo del objetivo que usemos podremos tener un diafragma mínimo y máximo diferente. En el símil que te comentaba antes, podríamos decir entonces que "el objetivo es el ojo de nuestra cámara, y que el diafragma es su iris".
La apertura del diafragma normalmente aparece representada por un número llamado número f. El número f hace referencia precisamente a esta abertura física del diafragma, es decir, al diámetro del orificio que dejan las palas. Cuanto menor sea el número f, mayor será ese orificio, es decir, mayor será la apertura del diafragma y, por tanto, más luz entrará en nuestra cámara. Y viceversa, cuanto mayor sea el número f, menor será el orificio que dejan las palas y, por tanto, menor será la apertura de diafragma, lo que se traducirá en menos luz entrando hacia nuestra cámara.
Imagínatelo como una puerta. Tú gradúas qué tanto debe abrirse esa puerta. Si la abres mucho entrará mucha luz y si apenas la abres entrará poca.
Si estás en tu cocina - por ejemplo - querrás abrir bastante el diafragma para dejar entrar toda la luz que tu foto necesita y que no quede oscura o subexpuesta. Pero si estás en la playa en un día soleado, necesitas abrir sólo una rendija o entrará demasiada luz y tu foto quedará sobreexpuesta o quemada.
La apertura de diafragma determina la cantidad de luz que entrará en nuestra cámara e incidirá sobre el sensor. Por eso es uno de los 3 pilares básicos que forman el triángulo de la exposición
ISO 100 f/2 1/800 seg.
La profundidad de campo
Además de influir en la exposición, el diafragma también define qué zonas de la imagen van a quedar nítidas y cuáles borrosas. No es posible enfocar más de un plano a la vez, pero los elementos que se encuentran delante y detrás de ese plano pueden verse igualmente nítidos. A esto se le llama "profundidad de campo"
Estoy segura que en estos momentos lo abandonarías todo y seguirías haciendo las fotos en automático.
¿Qué vas a ganar si lo intentas?
creatividad y control en tus fotos
La profundidad de campo depende de tres factores
el diafragma
la distancia focal
y la distancia que separa al tema de la cámara (distancia de enfoque)
DIAFRAGMA - La profunidad de campo aumenta cuando se reduce la abertura del diafragma.
A mayor DISTANCIA FOCAL, menos profundidad de campo. Un gran angular permite hacer fotos completamente nítidas. Sin embargo, la profundidad de un teleobjetivo se limita a unos centímetros.
DISTANCIA DE ENFOQUE - Cuanto más cerca está el tema de la cámara, menos es la profundidad de campo.
ISO 100 f/8 1/60 seg.
Aquí utilicé un diafragma 8 porque quería que todo quedase nítido. Como hemos dicho antes a menos diafragma (número más alto) más nitidez. La velocidad fue de 1/60 seg ya que había suficiente luz en el entorno
ISO 100 f/1.4 1/600 seg.
Aquí utilicé un diafragma 1.4 porque quería enfocar a Jose y que el fondo no quedara tan nítido (así consigo que él gane importancia en la foto). Si hubiera querido dar la misma importancia a Jose que a los troncos hubiese dejado el diafragma en 8 y todo quedaría igual de nítido. En este caso la velocidad que puse fue de 1/600 seg. Al tener el diafragma más abierto (es decir número pequeño) entraba más luz. Si lo hubiese dejado como en la anterior foto a 1/60 seg. la foto hubiese quedado quemada.
TIPOS DE LUZ
¿ES LA PUESTA DE SOL LA MEJOR HORA PARA HACER FOTOS?
No todo en nuestras fotos es técnica. No siempre, por controlar el enfoque, la velocidad de obturación y el número f vamos a tener la mejor foto.
La cantidad de luz la podremos controlar abriendo o cerrando el diafragma. O, algo que veremos más adelante, aumentando o disminuyendo la velocidad de obturación. Pero la calidad de la luz, no. Esa luz la tenemos que buscar.
Calidad de la luz
Me encuentro muy a menudo, cuando quedo con clientes, que me dicen - "qué suerte, vaya día de sol que tenemos hoy". En cambio, yo, rezo para qué se nuble, sobre todo si la sesión es a horas de luz dura. Si por el contrario la sesión es al amanecer o al atardecer, por supuesto que prefiero que no esté nublado o solo un poquito. Cómo en la foto de arriba, unas nubes siempre nos aportan un poco más de fuerza a la foto.
Una mayor cantidad de luz no siempre es una ayuda para nuestras fotos. En mi caso, todo lo contrario. Mis fotos suelen estar en la sombra, de espaldas al sol, a primeras horas de la mañana o a últimas. Escapo siempre de las horas de sol fuerte y si no tengo mas remedio busco callejuelas del centro de Barcelona donde siempre tengo sombras y rayos de luz para jugar.
La luz puede ser suave, plana, difusa, dura, violenta, contrastada, etc.... La calidad de la luz depende del Sol, per también varía en función de las nubes, las condiciones atmosféricas y cualquier elemento que la oscurezca.
En un día lluvioso, la luz será diferente a la de un día claro por la mañana. En la foto de arriba era un día por la tarde y empezaba a llover. En cambio, en la foto de abajo, era un día sobre las 11 de la mañana en un día despejado y muy soleado.
¿Qué tipos de luz hay?
Luz dura
Es cuando la luz procede de una fuente de escaso diámetro - flash, bombilla o el mismo Sol, sobre todo al mediodía. Con este tipo de luz conseguimos sombras intensas y zonas deslumbrantes, lo que hace que sea una imagen muy contrastada. Los colores se saturan y son intensos, a menos que la luz sea tan dura que blanquee parte de la imagen.
Con este tipo de luz tendremos que controlar muy bien las sombras. Poco a poco os iré enseñando truquitos para que esas sombras no sean un problema.
Luz suave o difusa
La luz suave proviene de fuentes grandees y difusas. No es direcciones y envuelve todos los objetos de la toma desde varias direcciones, como sucede en un día nublado. Esta luz no es contrastada, es decir, no origina zonas radiantes ni sombras muy oscuras. Con este tipo de luz perdemos información acerca de la profundidad, el volumen y la intensidad del color. Pero es de las mejores luces para reflejar los detalles en un retrato.
Luz filtrada
En situaciones de niebla, bruma o calma, las partículas que flotan en el aire actúan como filtros reduciendo el contraste y dando un tono apastelado a los colores. El escaso contraste reducirá la nitidez de los elementos cercanos. Eso si....conseguiremos fotos que parecerán sacadas de un cuento.
Luz frontal
Este tipo de luz potencia los colores y da lugar a una luz muy homogénea con muy pocas sombras. El inconveniente es que las sombras quedan detrás del sujeto y por lo tanto las imágenes ofrecen poca sensación de profundidad y de textura. Las fotografías resultan excesivamente planas
Contraluz
Es cuando tenemos el sol frente nuestro. El resultado es una escena de alto contraste. Si exponemos para el cielo el resto será una silueta sin color, textura, y por lo tanto sin aspecto tridimensional. Sólo se ve una forma plana
Luz lateral
Los objetos o las personas iluminadas lateralmente se llenan de sombras y luces. Las partes iluminadas se ven a todo color. Las partes en sentido contrario a la luz quedan en sombras y por lo tanto sin color. Las zonas intermedias cuentan con una textura muy marcada. Cualquier irregularidad de su superficie proyecta una sombra. Así que, si estáis haciendo un retrato y la persona tiene granitos, vais a potenciarlos, así que evitad esta luz o tendréis después mucho trabajo en el revelado.
JUGUEMOS CON LA LUZ
Cómo he leído varias veces y siempre explico en mis talleres ... el fotógrafo observa donde los demás miran.
Hoy vamos a aprender eso, a observar donde los demás miran.
Desde que descubrí que me apasiona la fotografía, mis paseos ya no son los mismos. Antes me llamaba la atención una prenda bonita en un escaparate. Ahora me la sigue llamando si, pero me llama más la atención ver cómo entra un rayo de sol por una esquina de una callejuela, cómo se cuela a través de una ventana, cómo dibuja sombras en el suelo.
Y ahora eso ya se ha convertido casi en un reto. Si algo te permite la fotografía es jugar con la luz, disfrutar, crear a través de ella.
Así que os voy a ir explicando algún truquito para que poco a poco vosotros también disfrutéis.
Antes de empezar a enseñaros a observar os quiero decir que sobre todo no os desaniméis. La primera foto, la segunda, ... las que sean... no van a salir todo lo bien que desearíais. Por eso os repetiré que sobretodo tenéis que practicar y practicar. Y poco a poco también ir entrenando vuestro ojo para observar de otra manera. Así que...practicad, practicad y practicad.
Y ahora sí, empezamos! Os iré explicando foto a foto cómo y porqué la conseguí!
Una ventana con porticones como estos nos puede dar muchísimo juego. La podemos abrir o cerrar a nuestro gusto. En este caso buscaba una luz íntima, dulce. No quería una iluminación de todo el espacio. Sólo necesitaba iluminar lo mínimo para poder contar mi historia.
Observad de nuevo a Aroa, hemos cambiado vestuario, si, pero es la misma ventana.
La abrimos un poquito más para que los rayos fueran más intensos y poder jugar con las sombras que hacían en su jersey. Un mismo lugar, dos fotos completamente distintas.
Tenemos que tener mucho cuidado con las sombras. Pero si las utilizamos bien y a nuestro favor pueden dar mucho dinamismo a una foto.
En estos dos retratos Sandy no se movió del sitio. En la foto de la izquierda la tenemos con una luz lateral y que con la ayuda de una manta - que era lo único que teníamos en ese momento a mano - tapábamos los rayos directos que entraban del sol. En cambio, en la foto de la derecha, Sandy está con una luz frontal, mirando directamente al sol. Jugué con las hojas de una palmera para conseguir esas sombras en su cara y aportar "un algo más" a la foto.
Aquí hice lo mismo con Laia. Ese día había una luz muy dura, así que la aproveché para potenciar el color de sus ojos y con una hoja ,que ella misma aguantaba, crear sombras.
La foto está hecha en mitad del bosque a las 12h de la mañana. Poco a poco os iré explicando cómo conseguir que quede ese fondo negro en un día completamente soleado.
Debemos tener en cuenta que este tipo de luz aumenta cualquier imperfección de la cara.
La foto de la izquierda nunca la llegué a publicar. La idea era buena, pero no siempre es suficiente. Los pocos rayos de sol que entraban entre las ramas de los árboles hacían unas sombras en la cara de Senait que me gustaban. No calibré bien la cámara, así qué donde le da el sol ha quedado completamente quemado y no hay nada de información, únicamente una mancha blanca.
En cambio, en la foto de la derecha, había un toldo que servía de difusor de los rayos del sol y conseguía una luz más "dulce". Además el mismo toldo provocaba esas sombras en la cara que me gustaron.
Las sombras pueden jugar a nuestro favor o arruinarnos una foto. Siempre aviso que vigilemos con lo que veis en esta foto. La diferencia de la zona en sol y la parte en sombra puede hacer que la vista se nos vaya a donde no deseamos. En este caso se utilizó a nuestro favor y no deja de quitar protagonismo a Senait. Pero podría no ser asi.
Al jugar con los ángulos de la sombra y del muro hace que nuestra mirada se vaya hacia la cara de Senait.
Las dos fotos están hechas en el mismo lugar, a la hora de la puesta de sol, pero con tres meses de diferencia la una de la otra.
La primera es en el mes de septiembre, estábamos dentro de una caravana y empezó a entrar el sol por la ventana. ¡Hubo magia!
¿Qué conseguimos con este tipo de foto? Conseguimos llevar a donde nosotros queremos la mirada del espectador, en este caso a la cara de Ornelle. La estancia pierde protagonismo y por el contrario potenciamos el resto.
La segunda foto es en el mes de Diciembre, en uno de mis talleres de retrato. Con la experiencia de tres meses atrás, ya estaba esperando el momento en el que entrase el rayo de sol por la ventana. .
A veces son unos minutos ya que el sol cambia de un momento a otro. Un árbol, una rama, un edificio, nos puede hacer cambiar la escena de golpe. En un momento pueden hacer desaparecer esos rayos de sol. Así que, os aconsejo que cuando veáis esa magia, no la dejéis escapar, corred y haced fotos!
Al ser diciembre la luz no era tan dura, era mucho más suave, lo que no impide que consigamos lo que queremos, dar protagonismo a la cara de Ornelle.
Aquí os dejo un ejemplo de cómo podemos jugar con la luz en un mismo espacio.
Las dos fotos están hechas exactamente en el mismo lugar y en el mismo punto exacto. La única diferencia es que me moví yo (y por supuesto cambiamos el look de la modelo)
En la foto de la izquierda hacemos servir la luz que nos envuelve para iluminar nuestra foto. En la foto de la derecha, me moví hacía la izquierda y me puse de espaldas a la luz. Ornelle miraba hacía el sol. Al buscar la luz de su cara para conseguir la correcta exposición, el resto del lugar queda a oscuras. Por supuesto, también me he ayudado con la edición para oscurecer un poco más la zona del alrededor.
Es una manera sencilla de tener fotos distintas en un mismo lugar
El mismo sitio y los mismos tonos. Sólo cambia cómo colocamos a la persona.
Os aconsejo que cuando lleguéis al sitio donde tengáis que hacer las fotos, observéis bien lo que tenéis alrededor. Intentad exprimir al máximo ese rincón. No os quedéis haciendo 30 fotos parados en el mismo punto, estáticos, sin ni siquiera agacharos o moveros o sin mover al o la modelo.
Lo mismo nos servirá si estamos haciendo fotos a objetos. Provad todos los ángulos posibles.
¡Os llevaréis muchas sorpresas!
Y aquí el mismo ejemplo. Pero, en lugar de mover al modelo me moví yo.
Sebastian estaba dentro del coche. Justo a su derecha teníamos la luz del sol que ya empezaba a bajar y a darnos ese tono naranja tan bonito. Las fotos las estaba haciendo en un túnel, pero con unas oberturas laterales que dejaban entrar la suficiente luz del sol.
En la primera foto quise potenciar esa mirada que tiene Sebastian con una luz lateral y jugando con las formas del coche.. En la foto de la derecha me fui al otro lado del coche y utilicé la luz que estaba a esa altura. A esto se le llama luz de recorte (la luz nos define la silueta de lo que estamos fotografiando)
Dos fotos distintas en el mismo lugar sólo moviéndonos unos metros.
Si sois de lxs que les gusta los sitios abandonados, ahí vais a poder disfrutar mucho con todo lo que os he explicado hasta ahora.
Muchos fotógrafos se llevarían focos o flashes para iluminar lo que desean. Todo es lícito y todo es bonito. En mi caso, disfruto con la luz natural. Disfruto teniendo que pensar cómo resolver las situaciones con lo que tengo. Por eso, a la que veo un mínimo rayo de sol que entra, sé que ahí puede haber foto.
Los lugares abandonados suelen tener muchas ventanas o puertas tapiadas. Largos pasillos en los que solo entra un hilo de luz. ¡Aprovechádlos!
Aquí otro ejemplo de cómo utilizar una luz lateral que entra por una puerta o ventana.
Con esta luz lateral, cómo aprendimos el otro día, conseguimos una parte del rostro en luz y la otra en sombras. Siempre hará que la parte iluminada gane protagonismo contra el resto de elementos de la foto.
Y esta foto, fue una foto fortuita. Estábamos en un taller de retrato por Barcelona. Un alumno, Luis, vió la escena y corriendo fue a hacer fotos. Ese rayo de luz que iluminaba a quien estaba allí en ese momento era mágico.
La mayoría fueron delante del músico a hacer la foto. Sí, tenían una luz que iluminaba su cara y seguro que las fotos son preciosas. Casi nadie pensó en separarse unos metros. Ahí teníamos una historia preciosa, una historia que un simple rayo de luz nos estaba regalando.
Unos minutos más tarde ese rayo de sol ya había desaparecido y esa historia ya no estaba.
Antes os he hablado de la luz de recorte. ¿Cómo la podemos conseguir?
Una forma fácil es con la luz del atardecer (la hora dorada). El sol ya está bajo y nos puede ayudar a dibujar la silueta de la persona que tengamos que fotografiar. Jugar con el pelo es una buena opción ya que los rayos del sol se cuelan de una manera mágica.
Si no esperamos a última hora todavía tendremos la luz suficiente para que las caras nos queden iluminadas.
Cómo habéis visto, la hora dorada o la puesta de sol, no es la única luz con la que podemos disfrutar en nuestras fotografías. Eso sí, hay que decir, que sin duda es mágica.
Ya veréis como poco a poco, según vayáis controlando vuestra cámara, iréis disfrutando más y más de esta magia.
LA VELOCIDAD
A veces la velocidad correcta no es la que más nos gusta para nuestra foto.
No todo es utilizar la técnica correctamente. Las normas están para romperlas. Eso sí, vamos a empezar aprendiéndolas. Y después os enseñaré a cómo salirnos de ellas.
¿Qué es la velocidad de obturación?
Es el tiempo durante el cuál se mantiene abierto el obturador. Y es uno de los factores que influyen en la luz que llega al sensor de nuestra cámara.
La velocidad de obturación es clave para que una foto quede nítida o borrosa. Si queremos congelar un tema en movimiento deberemos escoger una velocidad elevada.
Existen varios factores que condicionan la elección de la velocidad de obturación.
Movimientos involuntarios
La cámara siempre se mueve en el momento de disparar por muy buen pulso que se tenga . Además al accionar el disparador se producen pequeñas vibraciones, en las que el espejo del visor se levanta justo antes de que se abran las cortinillas.
Movimento del sujeto
Si queremos fotografiar a un ciclista que pedalea a 30km/h habrá que tener en cuenta que en un segundo, se habrá desplazado por los menos 9 m. Si tenemos una velocidad de obturación de 1/30 de segundo, el ciclista habrá recorrido unos 30cm durante la toma. ¿Qué pasa entonces? Qué la foto queda borrosa. Pero ojo, no tiene porqué ser incorrecto, quizás nos gusta la foto por el efecto de movimiento que transmite. Pero si preferimos congelar la imagen, deberemos trabajar con una velocidad más alta.
No siempre el movimiento es porque tengamos a un ciclista, a alguien corriendo, un coche en movimiento, etc. A veces el aire en el pelo ya nos provoca ese movimiento.
En el caso de esta foto quise congelar el movimiento. El pelo de Aroa está completamente enfocado y nítido. Utilicé una velocidad de 1/4000 de segundo. ¿Qué significa eso? Significa que el obturador se abre y se cierra tan rápido que conseguimos congelar la imagen. Para conseguir tanto desenfoque en el fondo de la foto y dar más importancia a Aroa, abrí el diafragma a f1.8.
En esta foto la velocidad utilizada es de 1/160 de segundo. ¿Qué es lo que pasa? El obturador se abre y se cierra tan despacio que si la persona está en movimiento queda borrosa. Cómo podéis observar la foto no es tan nítida como la anterior.
Ahora viene cuando os vuelvo un poco locxs y os digo que aquí es lo que yo quería. Ese punto borroso, pero controlado, me da un toque más romántico a la foto y consigo darle un poco más de realismo y de movimiento a la foto.
Aquí nos vuelve a pasar igual que en la primera foto. La velocidad utilizada es alta, 1/8000 de segundo. De esta manera conseguimos congelar completamente el movimiento.
¿Y porqué aquí sí que prefiero congelarlo?
El fondo que tenemos ya tiene suficiente formas, cómo para añadirle movimiento al pelo. Acabaríamos borrachos de líneas y formas. A veces es mejor simplificar y que al espectador no se le vaya la mirada a mil sitios.
En esta foto, el fondo es tan neutro que vuelvo a utilizar una velocidad más baja 1/400 y así no tener todos los mechones tan nítidos. Me gusta captar el movimiento con una cierta realidad. Mirando la foto casi puedes notar pasar el aire rozando el pelo de Patrycja.
Otros factores que debemos tener en cuenta
También debemos saber cómo coger la cámara. Separaremos los pies ligeramente para que queden justo debajo de los hombros y no doblaremos las piernas. Agarraremos la cámara con la mano derecha con firmeza, pero sin exagerar. Colocaremos la mano izquierda debajo de la cámara a modo de soporte. Lo ideal es ponerla debajo del objetivo, de manera que podamos mover el diafragma o el zoom si lo necesitamos. Pegaremos los codos al cuerpo.
Aunque llevéis años haciendo fotos, analizad si lo estáis haciendo correctamente. La experiencia me ha enseñado que en un tanto por ciento muy elevado cogemos mal la cámara.
Velocidad de obturación y tipos de objetivos
Una vez que tengamos controlado cómo coger la cámara, tendremos en cuenta el tipo de objetivo para seleccionar la velocidad de obturación.
Os explicaré de una forma sencilla cómo calcular con exactitud la velocidad que debemos utilizar. La velocidad en segundos no puede ser inferior a la recíproca de la distancia focal en milímetros - ay dios!! esto se complica, hahaha.
Por ejemplo, un objetivo de 250mm requiere una velocidad de 1/250 de segundo. De ahí no podremos bajar, si no utilizamos trípode, ya que la foto quedaría movida. La cámara no dispone de todas las velocidades exactas. Es decir, para un objetivo de 100mm escogeremos cómo velocidad mínima 1/125 de segundos. ¿Más fácil así, verdad?
Si trabajamos con un objetivo zoom, es decir, que no es fijo. La velocidad cambiará según las distintas distancias focales que estemos utilizando.
Para que os relajéis un poquito vamos a por más ejemplos.
En este caso tanto la foto de arriba cómo la de abajo están hechas con los mismos parámetros. Velocidad 1/320 f.18 y con un objetivo 85mm.
¿Qué diferencia hay? En la foto de arriba Jordina está completamente nítida. La velocidad ya es correcta para los movimientos lentos que hace y podemos congelar su imagen. En cambio en la foto de abajo, el movimiento de Jordina fue más rápido y eso provoca que la velocidad que escogí no fue del todo la correcta para congelar la imagen.
Ahora, vuelvo a repetir lo de antes, el efecto que genera la elección de una velocidad baja me encanta en este tipo de foto.
En las dos siguientes fotos quiero volver a transmitir de nuevo ese efecto de movimiento. Vuelvo a utilizar una velocidad baja 1/60 con una obertura de diafragma de 1.4 para desenfocar el fondo . El objetivo utilizado es un 35mm.
En la siguiente foto pasa todo lo contrario. Era un día de mucho viento. los globos se movían de un lado a otro. Así que tuve que utilizar una velocidad alta para poder congelar la imagen. En este caso una imagen borrosa hubiera distraído la mirada de lo que debe ser importante ...los globos! La velocidad utilizada fue de 1/2500 de segundo
Ninguna de estas fotos está tomada a una velocidad alta. Tengo que confesar que soy fan de ese pequeño error de nitidez que consigue crear una sensación mayor de movimiento.
Por lo contrario, en la siguiente foto no calculé bien a la velocidad que iba a pasar el coche y no queda lo suficiente nítido como debería ser. El coche queda movido y no era la intención.
En la siguiente foto era yo la que iba en coche y en movimiento. Podría haber escogido una velocidad alta para congelar el paisaje, pero preferí utilizar una un poco más baja para que el espectador pueda deducir que la foto está hecha desde un lugar en movimiento. Además el efecto que se consigue es muy bonito.
Y ahora os voy a contar algo más de cómo podemos jugar con la velocidad y conseguir efectos muy, muy chulos!
En esta foto utilicé un objetivo 56mm el ISO a 1250, el diafragma a f1.2 y la velocidad a 1/60 de segund.
Vamos a analizar cada parámetro:
El ISO todavía no hemos visto como influye, pero os diré que a mayor número, más luz conseguimos, pero perdemos nitidez. En este caso hemos utilizado un ISO bastante alto, lo normal en un día soleado es ISO 100. La cámara al ser de muy buena calidad nos permite subirla sin tener grandes problemas de nitidez.
El diafragma lo tenemos a 1.2. ¿Qué conseguimos? que nos entre toda la luz posible ya que el el obturador se abre al máximo, pero, en su contra perdemos nitidez.
Velocidad 1/60 de segundo. Estamos al límite de la velocidad mínima que podemos utilizar a pulso para que la foto no nos quede movida.
El resultado ha sido una foto correcta, los problemas que podríamos haber tenido de nitidez no son nada graves.
En esta foto, bastante más espectacular hemos utilizado un objetivo 28mm. ISO 100, f16 y velocidad 10 segundos.
¡Vamos a analizarla!
El objetivo 28mm, que ya lo veremos más adelante, al ser más angular que el anterior nos permite, desde el mismo lugar, tener mayor amplitud de lo que vamos a fotografiar.
En este caso hemos utilizado un ISO 100, así que no perdemos nada de nitidez.
El diafragma lo cerramos a 16, es decir, el obturador se abre muy poco, deja entrar poca luz, pero ganamos muchísima nitidez.
Ahora bien, con todos estos parámetros ISO bajo, diafragma muy cerrado....si no entra luz, ¿cómo lo compensamos y cómo la conseguimos?
Si os fijáis en este caso la velocidad es de ¡10 segundos!, no fracción no, ¡10 segundos!. Por supuesto la foto está hecha con trípode, sería imposible hacer esta foto con la nitidez que tiene a pulso. Al dejar el obturador abierto 10 segundos nos ha entrado toda la luz que necesitábamos.
¿Qué conseguimos? si os fijáis bien, al dejar abierto tanto tiempo el obturador las luces de los coches en movimiento crean líneas espectaculares.
EL ISO
¿Color o blanco y negro? ¿Negativo o diapositiva? ¿ISO 400 o ISO 100?
Así es cómo pedíamos antes los carretes para nuestras cámaras. ¿Lo recordáis?
Hasta ahora hemos aprendido a utilizar el diafragma, la velocidad y nos quedaba el ISO, para poder controlar mejor la luz en nuestra cámara.
Las películas convencionales se clasifican por grados de sensibilidad. Cuanto más sensible sea la película, mayor reacción tendrá ésta a la luz, también tendrá menos grano y éste será más grueso. Y cuanta más baja sea la sensibilidad de la película, mayor cantidad de grano tendrá y más fino, pero también necesitará de una mayor cantidad de luz para exponer correctamente la fotografía. Con lo que medimos todo esto lo llamamos ISO.
Por ejemplo, un ISO 100 es normal en la mayoría de cámaras, aunque algunas van desde 50, pasando por 100, 200, 400, 800 ... 25600 Cuando se incrementa la sensibilidad necesitamos menos luz para lograr la imagen. Y lo que en la fotografía analógica es el grano, en la fotografía digital son los puntos de color distinto que debería haber en ese lugar.
Necesitamos una sensibilidad alta cuando los niveles de luz son bajos o cuando se necesita una velocidad de obturación alta y una abertura de diafragma pequeñas (ya que estamos provocando que entre poca luz en la cámara, manera de compensar.... subir el ISO)
A medida que subimos el ISO, aumenta la sensibilidad, pero la resolución y la calidad de la imagen descienden y provocan lo que llamamos ruido.
Tenemos que probar hasta que ISO nuestra cámara nos deja trabajar sin problema.
En películas de alta sensibilidad los efectos consisten en un aumento de grano y en sombras más débiles. En el caso de la fotografía digital, los efectos son un incremento de ruido (similar al grano) y desviaciones de color.
Con las cámaras digitales, la ventaja que tenemos, es que podemos seleccionar foto a foto el ISO que necesitamos, sin perjudicar en el resto de fotos que ya hayamos hecho.
En esta foto utilicé un ISO 50 . Hacía muchísimo sol y si sumamos reflejo en el blanco de las paredes, tenía un exceso de luz. Por esta razón necesité un ISO muy bajo.
En cambio en esta foto utilicé un ISO 2000. El sitio era muy oscuro y necesitaba mucha más sensibilidad para conseguir luz.
La velocidad ISO afecta a la combinación del tiempo de exposición (velocidad de obturación) y a la apertura del diafragma para obtener una correcta exposición de la imagen.
Por ejemplo, en el caso de que la cámara advierta que no hay suficiente luz para una correcta exposición, nos indicará la necesidad de flash. Yo nunca trabajo con flash, me gusta la luz natural. Y lo que si que no os aconsejo es el flash que lleva incorporado la cámara. Así que no tenemos más opción que subir el valor ISO para conseguir mayor sensibilidad a la luz.
No os aconsejo que pongáis el ISO en modo automático, ya que os podéis llevar muchas sorpresas no deseadas.
Vamos a poner algunos ejemplos para que lo vayáis entendiendo mejor...
Si estamos utilizando una velocidad de obturación muy lenta por ejemplo 1/15 de segundo o mayor, con el que se puede notar el movimiento de la mano y no es posible usar el trípode y, además, no se puede abrir más el diafragma para que entre más luz, nuestra foto quedará movida a no ser que aumentemos la velocidad ISO. De esta forma podremos bajar la velocidad de obturación y evitar que la foto salga movida. Debemos mover los tres parámetros que hemos aprendido hasta ahora para conseguir la luz que necesitamos con la velocidad correcta y el diafragma que deseamos.
En esta foto el ISO que utilicé fue un 6400. Era una habitación con un mínimo de luz. Cabe decir que estaba tranquila que mi cámara acepta un 6400 de ISO sin tener problemas de ruido. Así que la foto está bastante nítida.
El problema con el incremento de la sensibilidad es que también se incrementa el ruido no deseado, parecido al granulado de la película.
El ruido se produce porque cada pixel dentro del sensor de la cámara contiene una o más fotoceldas sensibles que capturan la luz (fotones) y la convierten en una señal eléctrica que es procesada en valores de color, dependiendo del filtro que esté leyendo para cada imagen. Si el píxel está expuesto muchas veces a la misma cantidad de luz, el valor del color resultante no será igual, sino que tendrá pequeñas variaciones estáticas denominadas lecturas de ruido. ¡He dicho!
Vamos a seguir viendo ejemplos para que lo vayáis entendiendo mejor.
En esta foto utilicé un ISO 12800. La única luz que tenía en toda la sala era la de la linterna de un móvil colocado en el suelo, así que estábamos casi a oscuras.
La foto es impactante, por el momento en sí, pero en este caso no por la nitidez de la foto. La escasez de luz y el ISO alto provocan mucho ruido.
Aquí volví a utilizar un ISO 12800 pero tenía ya un poco más de luz ambiental y el ruido no es tan perceptible. Aún y así se puede ver el grano.
El ruido en las imágenes digitales se percibe en las superficies uniformes. En un cielo azul cómo podéis ver en la foto de abajo y en sombras (como en las fotos anteriores) y/o en ondas de colores (ruido de color)
El tamaño del sensor de la cámara también aumenta el ruido especialmente en las cámaras de gama baja. Las cámaras digitales de gama baja, compactas, generan más ruido que las digitales reflex profesionales. Las cámaras digitales de las gamas media y profesional con una mayor calidad en sus componentes y con procesadores más poderosos contienen además algoritmos más avanzados para eliminar el ruido.
ISO 8000
También se puede tener ruido en el momento de comprimir las imágenes . El archivo JPEG produce ruido sobre todo cuando los niveles de compresión son muy altos y las resoluciones a las que se amplían son elevadas, haciendo que aparezca el ruido en los detalles. A esto se le denomina baja definición.
Por esa razón te aconsejo que si después de hacer tu fotografía vas a pasarla por un software de edición tomes tus fotos en formato RAW en lugar de en formato JPEG. La cantidad de información que guardamos en un RAW no tiene nada que ver con un JPEG. En contra, una foto tomada en RAW no la podremos ver si no la editamos.
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Con estos filtros tu edición en Lightroom va a ser mucho más sencilla.
No son milagrosos, vas a tener que retocar un poquito de exposición, quizás temperatura, quizás matiz o contraste.
Eso si, la base la vas a tener y verás que fácil te va a ser editar y conseguir tu propio estilo.
Y decirte que esta es la edición que ves en mis fotografías.
Los presets que yo misma utilizo a diario.